concept e regia  Sotterraneo
in scena Sara Bonaventura, Claudio Cirri, Lorenza Guerrini, Daniele Pennati, Giulio Santolini
scrittura  Daniele Villa
luci Marco Santambrogio
produzione Sotterraneo
coproduzione Teatro Nacional D. Maria II
contributi Centrale Fies_art work space, CSS Teatro stabile di innovazione del FVG, Comune di Firenze, Regione Toscana, Mibact, Funder 35, Sillumina – copia privata per i giovani, per la cultura.
Sotterraneo fa parte del progetto Fies Factory ed è residente presso l’associazione teatrale pistoiese
PREMIO UBU SPETTACOLO DELL’ANNO 2018

1 paragrafo. 199 parole. 1282 caratteri. Tempo previsto 1’10’’. Riesci a leggere questo testo senza interruzioni? L’attenzione è una forma d’alienazione: il punto è saper scegliere in cosa alienarsi. Per questo sembriamo sempre tutti persi a cercare qualcosa, anche quando compiamo solo pochi gesti impercettibili attaccati a piccole bolle luminose e non si capisce chi ascolta e chi parla, chi lavora e chi si diverte, chi trova davvero qualcosa e chi è solo confuso. Sei arrivato fin qui senza spostare lo sguardo? Davvero? E non è insopportabile questo sforzo di fare una cosa soltanto alla volta? Guardati attorno: quante altre cose attirano la tua attenzione? Ora guardati dall’alto: riesci a vederti? Le superfici dei territori più densamente abitati della Terra sono coperte da una fitta nebbia di messaggi, immagini e suoni in cui le persone si muovono, interagiscono, dormono. A volte si alzano rumori più intensi, che la nebbia riassorbe subito mentre lampeggia e risuona. Visto da qui il pianeta sembra semplicemente troppo rumoroso e distratto per riuscire a sopravvivere – persino i ghiacciai si sciolgono troppo lentamente perché qualcuno presti attenzione alla cosa. Torniamo al suolo e guardiamoci da vicino: stiamo tutti mutando… in qualcosa di molto, molto veloce.

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Anteprima nazionale

produzione ZONA K (Milano)
creazione Codicefionda (Torino)
consulenza drammaturgica Agrupación Señor Serrano (Barcellona)
in collaborazione con Fuori Luogo Festival (La Spezia), Polo del ‘900 (Torino), Festival dei Diritti Umani (Milano), Istituto Professionale Albe Steiner (Torino), Yepp Italia (Torino) e Collettivo gLocale (Milano), Dialoghi – Residenze delle arti performative a Villa Manin” (CSS Teatro stabile d’innovazione del FVG), con il contributo di IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia e del Comune di Milano.

Il progetto è realizzato con il sostegno della Compagnia di San Paolo nell’ambito di “ORA! Produzioni di cultura contemporanea”.
Visita ora.compagniadisanpaolo.it

PLAY ME è una performance multimediale per spettatore singolo.

Un corto circuito narrativo dalle origini del videogioco alle origini dell’iGeneration.
Una esperienza immersiva in cui incontrare gli adolescenti di oggi tramite l’uso delle nuove tecnologie. Un percorso di creazione che racconta le nostre identità – reali e virtuali – grazie al confronto tra generazioni.

In ogni città in cui il progetto è ospitato vengono realizzati laboratori volti alla creazione della performance coinvolgendo adolescenti nel ruolo di Protagonisti e utilizzando diversi strumenti come videocamere, tablet, smartphone e visori di Realtà Virtuale. Tutti questi elementi diventano lo strumento per la costruzione di storie inedite che provano a rispondere a una semplice domanda: cosa sappiamo (o cosa crediamo di sapere) degli adolescenti di oggi?

dalle 17.00 alle 23.00

Performance per uno spettatore alla volta, durata 25 minuti a replica.

Prenotazione obbligatoria

testo, scene e regia Jan Fabre
con Lino Musella
musica Stef Kamil Carlens
drammaturgia Miet Martens, Sigrid Bousset
traduzione Franco Paris
luci Marciano Rizzo
disegno luci Jan Fabre
fonica Marcello Abucci
direzione di produzione Gaia Silvestrini
produzione Troubleyn/Jan Fabre e Aldo Grompone e FOG Triennale Milano Performing Arts / LuganoInscena / Teatro Metastasio di Prato / TPE – Teatro Piemonte Europa / MARCHE TEATRO / Teatro Stabile del Veneto
produzione esecutiva e distribuzione Aldo Miguel Grompone

La produzione ringrazia Vittorio e Margot

The Night Writer.Giornale notturno è un autoritratto.
Jan Fabre di notte scrive e disegna. The Night Writer raccoglie, come in un flusso, i suoi pensieri sull’arte e sul teatro, sul senso della vita, sulla famiglia, sul sesso, sull’amore: dai vent’anni di un giovane di provincia, sino alla maturità dell’artista celebrato in tutto il mondo. Come in una confessione, un mettersi a nudo con spregiudicatezza, con ironia e crudeltà, il copione raccoglie diverse pagine dei diari personali dell’autore, oltre a brani tratti dai suoi scritti per il teatro: ‘La reincarnazione di Dio’ (1976), ‘L’Angelo della Morte’ (1996), ‘Io sono un errore’ (1988), ‘L’imperatore della perdita’ (1994), ‘Il Re del plagio’ (1998), ‘Corpo, servo delle mie brame, dimmi…’ (1996), ‘Io sono sangue’ (2001), ‘La storia delle lacrime’ (2005), ‘Drugs kept me alive’ (2012).
“Lino Musella dà corpo a questo “diario umano” e restituisce l’irrestituibile: da grande attore incarna con verità, con poesia, con commozione, con ironia e con intelligenza questo carico di vita e di pensieri, con la stessa potenza, vitalità e bellezza, con cui l’autore li ha trasferiti su carta.”
Rodolfo di Giammarco

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liberamente tratto da “Lo cunto de li cunti” di Giambattista Basile
testo e regia Emma Dante
con Carmine Maringola, Salvatore D’Onofrio
elementi scenici e costumi Emma Dante
luci Cristian Zucaro
assistente di produzione Daniela Gusmano
assistente alla regia Manuel Capraro
produzione Festival di Spoleto 60, Teatro Biondo Palermo
in collaborazione con Atto Unico / Compagnia Sud Costa Occidentale
coordinamento e distribuzione Aldo Miguel Grompone, Roma

La regista siciliana, conosciuta per la sua ricerca dell’immediatezza comunicativa basata sul ritmo, sul linguaggio e sull’uso del dialetto, rilegge in chiave originale una delle novella più celebri della raccolta con cui, nel Seicento, Giambattista Basile creò Lo cunto de li cunti, capolavoro della tradizione letteraria italiana e mondiale. Ad essere raccontata è la storia di un re che s’innamora, ingannato, di una vecchia, trasformata in una splendida ragazza dall’incantesimo di una fata.

Il napoletano del Basile, nutrito di espressioni gergali, proverbi e invettive popolari, produce modi e forme teatrali tra lazzi della commedia dell’arte ed echi shakespeariani.

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Lettura drammatica 

scritto da Claudia Castellucci
regia vocale di Chiara Guidi
interpretato da Claudia Castellucci e Chiara Guidi
musiche Scott Gibbons, Giuseppe Ielasi
tecnica Francesca Di Serio, Eugenio Resta, Andrea Scardovi
organizzazione Elena de Pascale
produzione Societas

“Perché sei qui?” è la prima di molte domande che due ‘luogotenenti’ arroccate su un podio si scambiano. Sono domande elementari, di discorsi ancora più poveri, ma se vi si badasse, come è qui il caso, si aprirebbero crepacci sulla superficie sicura della loro quotidianità. L’abitudine delle cose quotidiane entra all’improvviso nel turbine del dubbio radicale, e la logica stringente cui le due figure si sottopongono è captata da un’ironia che pretende onestà. Le due figure sono ‘luogotenenti’ perché presidiano un luogo su cui sono arroccate, simbolo di fermezza circa il compito di difendere la logica del loro ragionare. L’unico motore, su cui tutto ruota, è la generazione continua di domande insaziate da provvisorie risposte, comprese quelle fornite dalla religione, che pure è la scienza del definitivo. Il carattere scettico e vedovile del dialogo rifluisce in un mare comico che lascia perplessi. La forma di teatro scelta per questo spettacolo recupera il dialogo didascalico classico, per la rappresentazione di un mondo privo di peso, dove ‘non succede niente’, come si suol dire. La metrica delle frasi serve a conferire velocità crescente alle domande, e la ricerca idiomatica para-dialettale inventata da Chiara Guidi fa abitare in ambienti domestici e ‘bassi’ la loro risonanza. Le asprezze vernacolari tingono di sangue le vette glaciali di un ragionamento sofisticato che ridiventa primitivo e sfacciato. Perché sei qui? è la terza parte del ciclo Il regno profondo di Claudia Castellucci, dopo La vita delle vite e Dialogo degli schiavi.

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coreografia e spazio Virgilio Sieni
musica Suites n°2, 3, 6 per violoncello solo di J. S. Bach
eseguita dal vivo da Lavinia Scarpelli
interpreti Noemi Biancotti, Jari Boldrini, Maurizio Giunti, Linda Pierucci
luci Giacomo Ungari
produzione Centro nazionale di produzione | Virgilio Sieni, Accademia di Musica di Pinerolo
La compagnia è sostenuta dal Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, Regione Toscana, Comune di Firenze

In collaborazione con Smaschera

Le Suites n°2, 3, 6 per violoncello Solo di J.S.Bach formano il territorio sul quale dispiegare il discorso narrativo della danza.

La successione architettonica di brani musicali da “abitare” ci guida verso la costruzione di costellazioni gestuali che lasciano spazio all’incontro dell’uomo con la simbologia del corpo e le figure dello spazio. La periferia dello spazio e l’attenzione ai valori sottili, tattili, nascosti del movimento, divengono i temi, insieme alla pietà, che agiscono le tre suites: atlante figurale e emozionale che mostra l’idea di marginalità, interstizio, raccoglimento, dimora, vuoto, accoglienza.

Trame originate dalla vibrazione di energie raccolte in una successione di danze “nuove”, dal Solo al Quartetto, sulla rigenerazione dello spazio ma anche liturgie gestuali che, percorrendo i sentieri e le declinazioni poetiche della musica di Bach, ci invitano a una riflessione sull’abitare il mondo.

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di Irene Serini
con Irene Serini
organizzazione e produzione Maurizio Guagnetti
disegno luci Caterina Simonelli

Mario Mieli fu un intellettuale italiano: uomo, donna, poeta, filosofo, attore, militante, visionario, drogato, frocio, poliglotta, ricchissimo, raffinatissimo, narcisista, alchimista e ladro improvvisato. Fu insomma colui (e colei) che riuscì a racchiudere in sé il senso bruciante dei contrari che si uniscono. Dimostrò fin dalla più tenera età un’intelligenza e una vitalità erotica fuori dal comune e l’aneddotica su di lui si spreca.

Fu anche la prima persona nel nostro Paese che non ebbe timore di scrivere: “tutti gli uomini sono donne e tutte le donne sono uomini”. Sembra un incantesimo. È invece una delle tante frasi magiche racchiuse nel suo saggio Elementi di critica omosessuale, in cui Mario Mieli inneggia al femminile, indagandone la forza e l’espressione in tutti gli esseri umani, al di là della sessualità di partenza. A dispetto di pubblicazioni di pregio e di una vita indimenticabile in Italia lo conoscono in pochi: rileggendolo oggi si scopre un pensiero valido e ancora innovativo per tutti, al di là dei reciproci orientamenti.

Il monologo si propone di far entrare il pubblico in contatto con concetti emozionanti, dirompenti ed illuminanti esposti nel saggio filosofico, utilizzando quel che di biografico risulta strettamente necessario ad avvalorare una tesi: in scena una persona vestita da uomo va delineando la propria identità seguendo un percorso geometrico, metaforico, storico, svelando così misteri legati all’identità personale e collettiva, chiedendosi con dolcezza, cosa sia l’identità, chi sia a determinarla, a chi serva…e cosa ci sia oltre.

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Reading tra Paolo Poli e David Bowie

con e a cura di Marco Cavalcoli
tecnica Paolo Panella
traduzioni Giampiero Segneri
si ringraziano Anna Antonelli, Andrea Farri e Silvia Lamia
produzione E-production
distribuzione Mismaonda
in collaborazione con Società per Attori e Garofano Verde

In scena il discorso impossibile – singhiozzato, sfilacciato e ricucito, ma sempre armonico – fra i talenti indiscussi di Paolo Poli e David Bowie: un accostamento ardito che incrocia e sovrappone, in modo inatteso e originale, il genio di due grandi figure “multiple” restituite come in un’intervista doppia impossibile. In scena Cavalcoli si mette al servizio dello spettacolo grazie alla tecnica dell’eterodirezione, permettendo a Paolo Poli e a David Bowie di “dialogare” in tempo reale attraverso la sua voce: il regista e performer esegue infatti una “partitura” verbale composta dalle voci dei due artisti che riceve in cuffia e restituisce al pubblico. I due sembrano apparire sul palcoscenico, vivificati ora dalla gorgia fiorentina di Poli, ora dall’inglese sospirato di Bowie, che Cavalcoli propone quasi come se fosse una radio sintonizzata su due frequenze. Eccoli davanti agli occhi degli spettatori: sarcastici, acuti, provocanti e provocatori come sempre. Due signori del palcoscenico accomunati dall’abilità camaleontica di vestire con immancabile eleganza i panni dell’alterità, dello sconfinamento di genere che finisce per rendere irrilevante la stessa distinzione maschile/femminile.

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di e con Eleonora Spezi e Matteo Salimbeni
testi di Pablo Noriega e Matteo Salimbeni
scena e pupazzi Eleonora Spezi
in coproduzione con Nata Teatro e Diffusioni/KanterStrasse
con il sostegno de Il Lavoratorio, Teatro del Lavoro, Atto Due
produzione esecutiva Atto Due

L’altro giorno è la traduzione teatrale di una serie di video d’animazione di Pablo Noriega, un artista argentino che da alcuni anni disegna le avventure di un tizio a cui capitano delle cose veramente incredibili: svegliarsi un mattino e scoprire d’essere stato eletto Presidente della Repubblica, incamminarsi verso le poste e perdere d’improvviso il pisello. Accadimenti fantastici che ribaltano la realtà come un calzino e che ci permettono di osservare da vicino, con ironia, le assurdità, le ingiustizie e le contraddizioni della nostra vita. L’altro giorno è uno spettacolo di figura per adulti. Due attori, seduti a un tavolo, si trovano in uno spazio domestico: forse una cucina, forse la loro. Lì si sentono a casa e così vorrebbero si sentisse anche il pubblico. Contro il logorìo della vita moderna non ci resta che arrenderci al fatto che tutto ciò che facciamo può avere delle conseguenze devastanti, che l’imprevisto è più prevedibile di noi, che morire dal ridere è un degno finale ma che la fine comincerà sempre con l’altro giorno.

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di e con Andrea Cosentino
regia Andrea Virgilio Franceschi
collaborazione artistica Valentina Giacchetti
primo spettatore Antonio Silvagni
oggetti scenici Ivan Medici
produttore esecutivo e promozione (2019) ALDES

“Uno spettacolo sul tempo che passa e che non torna più, neanche più le stagioni. In scena un attore, un cerchio, una pedana, un controluce.”
Lo spettacolo segue un gruppo di turisti in visita all’Asinara, ad ammirarne le spiagge incontaminate e il mare, la vegetazione e la fauna, il cui rappresentante più famigerato è l’asino albino, specie endemica e dalle origini misteriose.
Una visita guidata non si struttura in narrazione ma comporta il passare accanto ai resti della Storia e fare i conti con la propria, l’attraversare la natura e scoprirvi la propria estraneità. I visitatori sono macchiette tratteggiate a pennellate grossolane nel loro aggrapparsi con ferocia svagata al presente, in una coazione a rimuovere il presentimento della fine. La ricerca dell’asino, l’infanzia, il terrorismo e la reclusione, l’umano e l’animale, il biografico e il cosmologico.
Se sul piano della rappresentazione è isola e carcere e spiaggia, la scena non dissimula, ma semmai esibisce il suo piano di realtà: essa è la stanza dei giochi dove costruirsi un mondo a misura e il teatro dove ci si traveste per mostrarsi, si indica la luna e non si disdegna di farsi ammirare il dito. L’attore è la guida che non concede spiegazioni, che non vuole accompagnare. Perché non c’è al di là dove riparare. Non ci sono serre o riserve incontaminate. Non c’è rete dove attutire la caduta. I piani d’evasione sono stati tutti sabotati.

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uno spettacolo di Michela Lucenti/Balletto Civile
regia Michela Lucenti
assistente alla creazione Maurizio Camilli
coreografie Michela Lucenti
drammaturgia sonora Tiziano Scali
disegno luci Stefano Mazzanti
danzato e creato con Gianluca Pezzino
produzione Balletto Civile
si ringrazia Teatro Due di Parma

Concerto Fisico è una partitura fisica e vocale che ripercorre e ridisegna la storia di Balletto Civile. Un racconto musicale, greatest hits sghembo e storto che non ha niente di nostalgico per raccontare la storia di un gruppo attraverso i racconti di cui si è fatto veicolo. Lo spettacolo è ispirato  al Bardo Tödröl Chenmo, il libro tibetano dei morti, che descrive le esperienze che l’anima cosciente vive nell’intervallo di tempo fra la morte e la rinascita. Questo intervallo si chiama, in tibetano, bardo: “Bar” significa “tra” e “do” significa “isola, punto”. Una sorta di punto di riferimento tra due cose o, piuttosto, un’isola in mezzo ad un lago.

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di e con Andrea Salvadori e Armando Punzo
regia Armando Punzo
progetto video Lavinia Baroni Andrea Salvadori
scene Alessandro Marzetti Andrea salvadori
disegno luci Andrea Berselli
organizzazione generale e cura dei progetti Cinzia de Felice
organizzazione e coordinamento Domenico Netti
amministrazione Isabella Brogi
produzione Studio Funambulo – Carte Blanche/Compagnia della Fortezza
con il sostegno di Idealcoop Coperativa Sociale e Fondazione Cassa di Risparmio di Volterra

In collegamento con il progetto “Per Aspera ad Astra. Come riconfigurare il carcere attraverso la cultura e la bellezza”, promosso da Acri e sostenuto da 11 Fondazioni di origine bancaria, tra cui Fondazione Carispezia

“…se si vuole comprendere i segreti dell’Universo bisogna pensare in termini di Energia, Vibrazioni e Frequenze…” Nikola Tesla

Il Figlio della Tempesta non è un semplice concerto ma un progetto musicale-performativo che rielabora l’intero universo iconografico, sonoro ed emozionale della Compagnia della Fortezza. Attraverso uno studio sui caratteri dell’energia e delle frequenze della creazione, Andrea Salvadori, drammaturgo musicale della compagnia, intesse una drammaturgia composita e suggestiva, fatta di musica e immagini insieme con Armando Punzo, regista Architetto dell’Impossibile ed alcuni degli attori della Fortezza. Per la prima volta insieme in questa rete fatta di parole, presenze e musica, Punzo e Salvadori vanno al cuore della ricerca musicale e performativa, creando un concerto spettacolo che celebra i 30 anni della Fortezza.
Il Figlio della Tempesta è un susseguirsi incalzante di musiche, parole e immagini per un allestimento speciale, pensato come un affascinante viaggio nella storia della Compagnia della Fortezza.

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testo e regia Enzo Moscato
scena e costumi Tata Barbalato
voce su chitarra Salvio Moscato
organizzazione Claudio Affinito

Enzo Moscato, innovatore e poeta della drammaturgia contemporanea, Premio Ubu 2018 alla carriera, è protagonista di Compleanno, un capolavoro linguistico, tra gli spettacoli più intensi e rappresentati nell’ambito del repertorio dell’artista. Dedicato alla memoria di Annibale Ruccello, drammaturgo scomparso nel 1986 a soli trent’anni, scritto pochi mesi dopo il tragico incidente, il lavoro sviluppa il doppio tema incrociato dell’assenza e del delirio, intesi entrambi come produzioni fantasmatiche fatte di parole, suoni, visioni, gesti, e mirati a colmare il vuoto, l’inanità dell’esistenza. O del teatro.

Una specie di esercizio quotidiano del dolore, del controllo e di elaborazione della pulsione di morte, senza assumerne però le condotte autodistruttive, ma sorridendone, talvolta godendone come una festa, un ciclico ricorrere di affinità elettive, di sconvolti, teneri ricordi.

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Conferenza spettacolo

di Claudio Morganti
con Claudio Morganti e Piergiorgio Giacché

Si cercherà di scrostare pregiudizi e fuggire dai luoghi comuni sotto i quali il concetto di “improvvisazione” continua a rimanere (forse irrimediabilmente) sepolto.

Una conferenza spettacolo, un sereno viaggio tra l’improvvisazione musicale e l’improvvisazione teatrale. Si cercherà di parlare di entrambe attraversandone similitudini e differenze.

Derek Bailey definisce l’improvvisazione come la “celebrazione dell’attimo”, mentre Paul Klee racconta della necessità di portare a spasso un punto.

E l’attore? Possiamo dire che l’attore è colui che genera inizi? Come può l’attore portare a spasso un punto se quel punto è l’attore stesso? L’attore deve dunque farsi vago? E come, se il terreno che attraversa (quello del teatro) non assomiglia affatto ad un foglio liscio e bianco ma piuttosto ad una discarica?

La serata si articolerà in quattro parti:

1 Captatio benevolentiae (una breve chiacchierata sulla “lecture performance”)

2 Conferenza su MORTE E IMPROVVISAZIONE (di Claudio Morganti)

3 Intervento di Piergiorgio Giacchè (antropologo)

4 Lettura di un brano tratto dal Woyzeck di G. Buchner

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